De Cine y TV 2 2016-10-26T16:47:59+00:00

Payasos, Clowns y Cómicos de Cine y Tv


Keaton y Chaplin, dos genios del cine cómico


Abbott y Costello

Bud Abbott y Lou Costello se unieron en 1936, obteniendo grandes éxitos en la escena y, sobretodo, en la radio. Muy acertado Buster Keaton dijo de ellos que eran actores radiofónicos más que cinematográficos. Sus programas triunfaron en USA gracias a sus enredos verbales, a sus juegos de palabras que causaban gran hilaridad. La pareja triunfó también en Broadway en junio de 1939, en la revista Streets of Paris en donde debutó la explosiva brasileña Carmen Miranda. Al año siguiente empezaron en el cine como secundarios. Pero su éxito fue arrollador, por esa razón los ejecutivos de la Universal no dudaron en darles los papeles protagonistas en el siguiente título produciendo una serie de cintas realizadas en función de las habilidades cómicas de la pareja. De hecho todas las gracias estaban apoyadas en el gordo Lou Costello, ya que Abbott era un relleno según la tradicción circense del payaso tonto y el payaso listo. Al llegar los años cincuenta pasaron a la televisión, separándose finalmente en 1956. Once años después, William Hanna y Joseph Barberá produjeron una serie de cortos de dibujos animados en color titulada Abbott y Costello (Abbott and Costello, 1967) donde se intentó reavivar el recuerdo de la desaparecida pareja, operación similar a la realizada años antes con otra serie similar inspirada en Laurel y Hardy.


Been

Rowan Sebastian Atkinson ” Mr. Been” nacio en Consett (Durham, Inglaterra), el 8 de Enero de 1956. Su padre era el propietario de una granja en la zona, pero el se crio en una zona residencial. Fue a una escuela privada llamada Chadwell’s, era el colegio de la catedral de Durham, una de las escuelas solo para chicos, en esa escuela es donde se dice que empezo su carrera ya que sus compañeros le pedian que hiciera caras raras, cuando el tenia unos 12 años hizo una interpretacion en la escuela Luego acudió a la universidad de Newcastle donde estuvo 3 años antes de acudir a la universidad de Oxford, alli fue donde le volvio ha resurgir la idea del teatro ya se encontró con un aprendiz de guionista llamado Richard Curtis, se entero por un anuncio en el diario de la universidad que decia: Estamos pensando en hacer una revista teatral. Alli se conocieron Rowan Atkinson y Richard Curtis eso sucedia el verano de 1976, Rowan Atkinson era muy timido, pero el dia que hablo lo hizo para ver si podia interpretar dos scketchs geniales, alli les dejaron representar-lo, pudieron representar esos primeros espectaculos como por ejemplo el de la obra que nos imitaba: el rey benigno, el rey benigno con un defecto, el rey benigno con dos defectos fisicos, el rey loco. Esos espectaculos los vio John Lloyd un productor de la BBC, generalmente el espectaculo era la representacion de un mimo, entre esas mimicas destacaba un musico que interpretaba un a sonata de Beethoven para piano, otro de director, uno que era un mimo tocando la guitarra al estilo AC-DC, y otro donde tocaba la bateria. Su carrera en el mundo del espectaculo empezo en el festival de Edinburgo en 1977. Despues de una aclamada revista en el teatro Hampstead el año 1978, empezo en la serie de television de la BBC “Not the Nine O’Clock News” (Esto no son las noticias de las nueve), John Lloyd que lo habia podia ver hacia poco tiempo se lo pidió, Rowan y Richard Curtis un buen dia le dijeron que tenian un guion fantastico, ese guion era simplemente (que un hombre caminaba por la calle y mirando a la camara se tropezaba con un arbol), al principio creia que era una tonteria, pero luego John Lloyd, gracias a Rowan y Richard se dio cuenta que habia otras maneras de hacer humor, este show gano un Premio Internacional Emi, y un premio de la Academia Inglesa,por el mejor programa ameno de 1980. Por su aparicion en “Not the Nine O’Clock News” ganó El premio de la Academia Inglesa, ese mismo año fue nombrado “Personalidad de la BBC del año”. Su show en el “London’s Globe Theter” fue muy exitoso y gano el premio de “Society of West End Theaters awards por la Representacion de la comedia del año. Ya en el año 1983 empezo ha escribir junto con el escritor Richard Curtis “Black Adder” tambien para la BBC (en Cataluña llamada “L’escurço negre”) retransmitida por la television autonomica TV3, y para el resto de España, se llamó “La vibora negra” . Despues de esto ha participo en diversas series. A finales de 1989 despues de condiderar una larga lista de verduras, decidió ponerse el nombre de Mr. Bean es decir sr. judia, de una manera del todo inesperada esa comedia muda, pasada de moda fue un exito inmediato, hasta 1995 duro esta serie escrita por Rowan Atkinson, Richard Curtis y Robin Driscoll, con 14 capitulos de 30 minutos Rowan Atkinson se hizo famoso. Tambien tuvo un pequeño papel en la pelicula “Four Weddings and a Funeral” (Cuatro bodas y un funeral) donde hacia el papel de un cura, que amargaria cualquier boda. Ya de lo ultimo que a protagonizado Rowan Atkinson ha sido la serie “The Thin Blue Line” aqui en España emitida por Canal + traducida por Ley y desorden donde interpreto el papel de Raymond Fowler, donde representa el papel de un policia de barrio que ha de resolver los pequeños crimenes de cada dia, en la comisaria de Grantly en un barrio ficticio de Londres se enfrentan los tradicionales bobbies unfiformados y sin armas contra los agentes de investigacion buscando asesinatos en serie etc…

 www.mrbean.co.uk

Bob Hope

Bob Hope, de verdadero nombre Leslie Towne Hope, había nacido en la aldea de Eltham (Inglaterra) en 1903. Era el quinto hijo de un picapedrero que emigró a los Estados Unidos cuando el futuro actor tenía sólo cuatro años de edad. Tras estudiar bachillerato, aprendió claqué y al dejar el colegio empezó a ejercer humildes menesteres hasta que un día en 1920 Roscoe Arbuckle “Fatty” se presentó personalmente al público de su Cleveland, donde residía la familia Hope. Bob y su amigo George Byrne se presentaron para ser teloneros del popular “Fatty”, siendo admitidos. Con su número no sólo conquistaron al público, sino que agradaron a Roscoe Arbuckle que les recomendó a un director de comedias musicales que entonces estaba en gira por aquella zona americana. Su gira les llevó de teatro en teatro hasta llegar a Nueva York, donde actuaron con dos hermanas siamesas, Daisy y Violet Hilton, siendo contratados para una producción de Broadway titulada “Sidewalks of New York”, que más adelante fue llevada al cine por la Metro y que supuso un duro traspiés para su protagonista Buster Keaton al ser un vehículo inadecuado para sus facultados cómicas. Bob Hope estaba harto de bailar, por eso añadió chistes a sus números. De teatro en teatro fue escalando el escalafón hasta convertirse en una estrella de las tablas. En los treinta rodó algunos modestos cortos para la Educational Pictures, pero debutó oficialmente en “The Big Broadcast of 1938” (1938) de Mitchael Leisen. Con “Ruta de Singapur”, obtuvo el éxito que le encumbró formando pareja con Bing Crosby, ayudados por la simpar Dorothy Lamour, la reina del sarong. Tras una larga carrera, Bob Hope pasó a la televisión para protagonizar diversos shows. Actor caracterizado por unas ideas muy conservadoras, es acreedor por ello a las antipatías de cronistas izquierdistas. Sin embargo es un mito viviente del mundo del espectáculo americano.


Buster Keaton

Joseph Francis Keaton nació en 1895, en Pickway (Kansas), falleciendo en Hollywood en 1966. Hijo de dos cómicos ambulantes, Joseph y Myra Keaton, “Los dos Keaton”, el pequeño apareció en escena cuando sólo contaba un año de edad. A los tres, Keaton era ya un actor profesional y el dúo se convirtió en trío. “Los tres Keaton” eran célebres en el vodevil norteamericano cuando en 1917, el jóven Buster -apodo que le dio Houdini al ver su aguante en escena- visitó los estudios de Roscoe Arbuckle “Fatty” en Nueva York. El orondo cómico le contrató como secundario hasta que en 1920 fue contratado por la Paramount, tras el traslado de la compañía a Hollywood, quedando Buster Keaton como cabeza de cartel e iniciando una de las más brillantes carreras cinematográficas de todos los tiempos. Carrera que se malogró cuando Louis B. Mayer compró su contrato, sometiendo al independiente Buster a la férrea disciplina de la Metro obligándole a rodar películas inadecuadas para su talento indiscutiblemente visual. Estas circunstancias, más su divorcio con Natalie Taldmage, llevaron a Buster al alcoholismo y la desesperación. Despedido de la Metro -empresa que posteriormente le readmitió como asesor técnico- y marginado por Hollywood, el gran Keaton vio declinar su estrella bruscamente alternando sus breves apariciones en largometrajes con cortometrajes sonoros de bajo presupuesto hasta que en 1950 la televisión le devolvió parte de su pasada gloria. Buster Keaton ha sido uno de los más grandes cineastas de todos los tiempos y, junto con Chaplin, la flor y nata del slapstick.

www.busterkeaton.com


Cantinflas

Mario Moreno “Cantinflas” nació en Ciudad de México el día 12 de agosto de 1913. Siguiendo los deseos de su padre se matriculó en la Facultad de Medicina de la Universidad de Ciudad de México, pero durante sus estudios comenzó a realizar sus pinitos profesionales como bailarín e imitador. Un día se presentó ante un empresario del teatro de variedades Jalapa (Vera Cruz) para bailar, pero un día el local sufrió un percance y el director de escena le ordenó que saliera a escena para calmar los ánimos del público. Mario se puso nervioso, comenzó a hablar de forma entrecortada provocando la hilaridad de los espectadores e inició así su carrera como cómico. El éxito de Cantinflas fue arrollador, poco a poco fue configurando el personaje que le ha hecho célebre aunque en principio se le comparara con Charlot. El propio Charles Chaplin se convirtió en admirador suyo e intentó rodar sin fortuna una película con él. Si Charlot era un vagabundo marginal en un país desarrollado, Estados Unidos, en cambio Cantinflas lo era en una sociedad mucho más pobre, México, por lo que su marginación era menor. Una característica que le hizo célebre fue su verborrea incontenible diciendo muchas pa labras que carecen de significado alguno, pero Cantinflas se distinguió siempre por la nobleza de su corazón, su sentimentalismo, y también porque siempre hacía befa de los todopoderosos que se aparecían en su camino. En 1941, el productor Felipe Mier fundó la productora Posa Films dedicada a la producción de sus célebres comedias, muy populares en los países de habla hispana. Miembro del Sindicato de Actores se distinguió por su oposición a la política de su presidente, Jorge Negrete, de carácter muy autoritario. A la muerte súbita de éste le sucedió en el cargo fundando la Casa del Actor, de tipo benéfico. Hombre caracterizado por su generosidad, a partir de 1952 emprende una campaña en favor de los pobres, para construir un complejo de hábitat social. Aparte de su carrera cinematográfica se le conoce su extensa actividad como torero cómico, retirándose a su rancho donde vivió sus últimos años falleciendo el 21 de abril de 1993.

Enlaces : http://cinemexicano.mty.itesm.mx/estrellas/cantinflas.html


Charlie Chaplin

Charles Spencer Chaplin nació en el suburbio londinense de Walworth el día 16 de abril de 1889. Hijo de una familia humilde de actores del music hall británico, debuta a los cinco años en los escenarios cantando “Jack Jones” sustituyendo a su madre enferma, Hannah Hill, conocida como Lily Harley en la escena inglesa. Charles Spencer, su padre, fallecería en 1893 a causa de su alcoholismo. Hannah Hill, más conocida como Lily Harley, es finalmente hospitalizada a causa de su locura. Los hermanos Chaplin (Syd y Charles) tuvieron una infancia muy dura en el asilo de huérfanos de Hanwell, donde fueron internados. Pero el joven Charles era muy inquieto, ya en 1898 ingresa en la compañía de músicos excéntricos “The Eight Lancashire Lads”, estudiando al mismo tiempo en la Hern Boy School. En 1907, su hermano Syd le hizo entrar en la compañía de Fred Karno, perfeccionando ahí su estilo cómico en la Fun Factory, debutando con “The Football Match” y “Mumming Birds”, realizando numerosas giras en Europa y Estados Unidos. Nueva gira en Canadá en 1911, y regreso a Inglaterra en 1912. A finales de este año vuelve a los Estados Unidos con la compañía de Fred Karno, donde estaba también el futuro Stan Laurel, y llamó la atención de Mack Sennett que le contrató para debutar en el cine iniciando en 1914 una carrera legendaria. Si al principio Chaplin fue imitando al francés Max Linder, a quien admiraba profundamente, paulatinamente adoptó un personaje distinto al de su distinguido maestro, el de Charlot, el célebre vagabundo solitario y romántico. A finales de este año ingresa en la Essanay, en 1916 en la Mutual y en 1917 en la First National perfeccionando su estilo. Crea finalmente su propia productora, la Chas. Chaplin Film Co. e hizo construir un estudio en Hollywood, en 1919 se asocia con David Wark Griffith, Douglas Fairbanks y Mary Pickford creando la United Artists con la cual trabajará en lo sucesivo.Al llegar el cine sonoro, el genial cineasta temiendo el fin de la pantomima se opondrá con todas sus fuerzas, pero finalmente acabará claudicando. Chaplin rodará “El gran dictador” (1940) con la nueva técnica y logrará una de sus obras más personales. A causa de sus supuestas ideas izquierdistas, tras la Segunda Guerra Mundial y el comienzo de la llamada Guerra Fría entre los dos bloques capitalista y comunista, Chaplin se verá perseguido por el Comité de Actividades Antiamericanas del tristemente célebre senador McCarthy. En 1952, tras rodar “Candilejas” marcha a Europa y no regresará a los Estados Unidos hasta 1972 con motivo de la concesión de un Oscar honorífico que premiará toda su carrera, reconciliándose así con el país que le dio fama y gloria, pero que también le convirtió en un fugitivo político. Chaplin recibirá en 1954 el Premio Internacional de la Paz por un Consejo reunido en Berlin. Entre 1958 y 1963, Charles Chaplin escribirá su autobiografía, “Historia de mi vida”, y en 1975, la reina Isabel II de Inglaterra le concederá el titulo de caballero del Imperio Británico. En la madrugada de Navidad de 1977, el genial y legendario Charlot dejaba de existir.

Enlace: www.charliechaplin.com


Harold Lloyd

Harold Clayton Lloyd nació en Burchard (Nebraska) el 20 de abril de 1893, falleciendo en Beverly Hills (California) el 8 de marzo de 1971. En 1923 se casó con la actriz Mildred Davis, teniendo con ella dos hijos, también actores, Harold Lloyd jr. y Gloria Lloyd. Sus primeros años son un poco oscuros. Unas fuentes dicen que era hijo de un pastor protestante, otra que su padre era comerciante, y aún hay que dice que era gente pobre y errante. Sí coinciden todas las biografías consultadas en que Lloyd sintió una fuerte pasión por el teatro, y que a los doce años trabajaba de acomodador en el Teatro Orpheum de Omaha donde el joven Harold Lloyd conoció al actor John Lane Connor, director de la “Compañía Ambulante Burwood”, quien le pidió le buscara alojamiento en la ciudad. El avispado Harold le llevó a su propia casa, tras convencer a su madre, y naturalmente ambos hicieron rápida amistad. No es de extrañar pues que al prepararse la obra “Tess of the D’Urbervilles” de Thomas Hardy, en 1907, Connor le diera al muchacho el papel de Abe, un niño cojo, que aunque careciera de relieve animó a la madre de Harold a darle estudios teatrales en la Escuela de Arte Dramático de San Diego, fundada por Connor. Estaba en San Diego cuando llegó allí la productora de Edison para rodar un western con Laura Sawyer y Ben Wilson. El ayudante de dirección se pasó por la escuela en busca de posibles talentos (costumbre que se ha perdido en el cine de los noventa), Connor recomendó a Harold para un papel y consiguió le adjudicaran una figuración, un pielroja que se pasó todo el rodaje semidesnudo. Tras varias obras en giras provinciales como “Trilby” y “Oliver Twist” con actores como Charlie Ruggles, Florence Reed y William Desmond (posteriores secundarios en el cine), Lloyd descubrió que su mayor talento era la comedia tal como presentió el propio Ruggles. La Compañía Edison tenía unos estudios en Balboa, al llegar a esta ciudad la compañía teatral, Harold aprovechó la ocasión para trabajar de extra en algunas cintas y a la tercera semana se marchó al naciente Hollywood, se disfrazó de indio y burló los centinelas de los Estudios Universal. J. Farrell MacDonald rodaba “His Heart, His Hand, His Sword”, un serial de doce episodios, protagonizados por J. Warren Kerrigan. El joven actor era muy simpático y cordial, ganándose la confianza del director que solía contratarle en todos sus films sucesivos. En uno de esos rodajes conoció a Hal Roach, el resto ya es conocido, iniciándose en 1914 en el corto cómico con personajes como Willie Work y Lonesome Luke, pero Harold no quería ser otro Chaplin, sino él mismo, e inventó su propio personaje con el que rodó 102 cortos de una bobina. The Winckle o “Él”, como se le conoció en España, se convirtió en uno de los personajes más cómicos del cine mudo. En 1919, Harold sufrió un accidente al hacerse una foto publicitaria, quedando manco de una mano, lo que no impidió realiza sorprendentes acrobacias en sus próximos films. Su estilo visual sobrevivió al sonoro durante una década, retirándose después limitando su vida a los negocios y a la producción de películas.

Enlaces : www.haroldlloyd.com


Harry Langdon

Harry Langdon nacio en Council Bluffs (Iowa, USA) en 1884. Deambuló desde los diez años por los music hall de todos los Estados Unidos, hasta que en 1924 Mack Sennett le contrató para trabajar en el cine. A pesar de estar hoy olvidado, Harry Langdon consiguió en su día hacer peligrar el liderazgo de Charlie Chaplin. Sennett le consideraba el mejor actor salido de su factoría. Al pasar a la dirección, Langdon sufrió un descalabro comercial que se acrecentó con la llegada del sonoro. Cineasta puro, caracterizado por una mirada melancólica, Harry Langdon está considerado actualmente como uno de los mejores cómicos del siglo XX, falleciendo en Hollywood en 1944.

Enlace: http://silent-movies.org/Langdon


Hermanos Marx

Los hijos del sastre Simon “Sam” Marx y de Minna “Minnie” Schoenberg fueron seis: Manfred que nació en 1885, pero que murió de accidente a los tres años; Leonard “Chico” (1887-1961); Adolph Arthur “Harpo” (1888-1964): Julius Henry “Groucho” (1890-1976); Milton “Gummo” (1897-1976) y Herbert “Zeppo” (1901-1979). El padre había emigrado desde Alsacia-Lorena y la madre desde Dornum (Alemania), naciendo sus singulares vástagos en Nueva York. En 1905 fue Julius Henry quien se inició en el mundo del espectáculo como cantante, formando al cabo de un par de años un dúo con su hermano Milton y en 1895 crearon el grupo “Los tres ruiseñores” con la adición del barítono Lou Levy, recorriendo todos los tugurios americanos durante algún tiempo. Adolph Arthur se incorporó posteriormente al conjunto y el trío se convirtió en un cuarteto. Al unirse la madre Minnie y la tía Hanna, el sexteto pasó a llamarse “Las seis mascotas”, sustituyendo a Lou Levy por otro barítono. Debido a la buena acogida y a la experiencia adquirida en estos años de vodevil, la madre Minnie, la mánager del grupo, creó una revista musical según las modas de la época, “Fun in Hi Skul” (Humor en la escuela) en 1912 y “Mr. Green’s Reception” (La recepción de Mr. Green) en 1913 donde actuaban todos los hermanos aunque tardaran un tiempo en reconvertir sus nombres de pila por los apodos que les han hecho célebres. Fue en “Home Again” (De vuelta a casa) en 1918 cuando comenzaron a desarrollar sus personajes característicos. Tras la partida de Gummo al ejército, fue sustituido por el benjamín Zeppo. Otra revista “The Cinderella Girl” (La chica Cenicienta) en 1918 y un año después debutan en Broadway con “Home Again” obteniendo un inusitado éxito. Sus revistas musicales se hacen célebres en todos los Estados Unidos, Canadá y Gran Bretaña: “On ther Mezzanine Floor” (En el entresuelo, 1921), “I’ll Say She Is” (Y tanto que lo es, 1923), “Cocoanuts” (Cocoteros, 1925) y “Animal Crakers” (Animales locos, 1928). En todos los espectáculos Groucho cantaba alguna canción, Harpo (reconvertido en mudo) tocaba el arpa, Chico el piano y Zeppo el saxo. Su inmensa popularidad les llevó al cine cuando llegó el sonoro, actuando primero en la Paramount con versiones cinematográficas de sus éxitos teatrales. Más tarde Zeppo abandonó el grupo para hacerse agente teatral al igual que su hermano Gummo, quedando reducidos a tres, los más célebres, en otra serie de películas más comerciales producidas primero por la Metro-Goldwyn-Mayer y en los años cuarenta por otras compañías. En los cuarenta el trío se deshizo actuando cada cual por su cuenta en programas de radio, televisión y actuaciones personales en salas de fiesta y teatros. El musical “Minnie’s Boys” (Los chicos de Minnie, 1970) recreó su vida obteniendo un gran éxito en Broadway.

Enlaces : www.marxmadera.com ::: www.marx-brothers.org

Jacques Tati

Jacques Tatischeff, más conocido como Jacques Tati, es uno de los más sólidos ejemplos de ingenio y comicidad visual. Nacido en Pecq (Séine-et-Oise) en 1908 y fallecido en 1982. De origen ruso, estudió en el Lycée de Saint Germaine-en-Laye, donde trabajó con su padre en la fabricación de cuadros antes de dedicarse profesionalmente al deporte. Tras ser boxeador, tenista y futbolista, el joven Jacques se convirtió en un auténtico campeón de rugby en el Racing Club de París. Debutó artísticamente como mimo en 1931, un año después se inició en el cine y en 1933 actuó en las variedades francesas, destacando por sus geniales números mudos. Al acabar la Segunda Guerra Mundial, Tati se revela como actor cómico, director y autor de una obra completamente original, imaginativa e inteligente que enseguida labró su prestigio a pesar de la brevedad de su filmografía, muy espaciada en el tiempo. Amante de cuidar los más mínimos detalles con extrema minuciosidad, su monsieur Hulot tuvo una carrera breve pero importante en el cine, pero también en los programas de variedades y en la televisión. François Truffaut, gran admirador de su cine, le rinde homenaje haciendo aparecer un falso monsieur Hulot en la secuencia del metro en Domicilio conyugal (Domicile conjugal, 1970). Su humor inteligente, basado siempre en la sorpresa, ha tenido muchos imitadores pero ninguno ha conseguido igualar su inagotable ingenio.

www.tativille.com


Jerry Lewis

Joseph Levitch, de religión judía, nació en Newark, Nueva York, el 16 de marzo de 1926. El futuro Jerry Lewis, su nombre artístico, era hijo de un cantante de cabaret y de una pianista de variedades quien se inició pronto en el mundo del espectáculo, a los cinco años cantaba en el coro “Castkills”, a los diez organiza un espectáculo teatral con sus compañeros de colegio y a los diecisiete ya se había convertido en un auténtico profesional. En 1944 actuaba como cantante en las orquestas de Ted Florito y Jimmy Dorsey. Dos años después se junta con un cantante melódico de origen italiano, Dean Martin, iniciando una larga colaboración en cabarets, radio, televisión y finalmente cine. Contratados por la Paramount, la pareja Dean Martin -Jerry Lewis, no tardó en eclipsar a Bud Abbott y Lou Costello de la Universal, entonces en declive, y también a la formada por Bing Crosby y Bob Hope en su misma productora. De 1947 a 1957, la pareja protagoniza una serie de films cómico musicales que les hicieron célebres, pero una serie de desavenencias personales motivó su separación, tras la cual Jerry inicia una serie de películas de gran calidad en solitario, pasando desde 1960 a la realización. Ya como autor total conseguiría un puñado de obras maestras hasta que su madurez física y el cambio de gustos de público, así como una serie de errores le llevaron a un rápido declive dedicándose a partir de entonces a la televisión, actuaciones personales y alguna que otra reaparición cinematográfica, pero siempre alejado de sus mejores tiempos. Heredero indiscutible de Stan Laurel, Jerry Lewis le apoyó en sus años de enfermedad y miseria comprándole gags para sus propios films.

www.jerrylewiscomedy.com


Jim Carrey

Jim Carrey has become one of the most recognized faces in the world – and it is precisely because of his face that he has achieved such fame. His rubbery visage, and penchant for wild and extreme behavior has given him a notoriety he delights in. Carrey has developed a repertoire of oddball characters to the pleasure of audiences everywhere. Well, not everyone is impressed, and you’ll find people who are thoroughly anti-Carrey, and his style of comedy, but the majority has voted him into our lives. His humour is far from high brow, tasteless in many cases, but he aims to amuse and, for most people, he does just that. Born in New Market, Ontario, Canada on January 17th, 1962 to a working class family that never had it easy, growing up poor was tough for young Jim Carrey. While in his teens, he had to take a job as a janitor when his father lost his job and he had to juggle both school and work. School eventually lost out and he dropped out. He describes himself as being very angry at this time in his life, yet one good thing came out of it. He developed a tremendous sense of humour to help him cope and to shield his anger from the world. He was a loner who claims he didn’t have any friends because he didn’t want any. Between school and work there just wasn’t much time for a childhood. At 15 though, he had enough time to start performing at Yuk Yuks, a famous Toronto comedy club where he began to perfect his shtick. He moved to LA and did the club circuit there. He soon came to the attention of Rodney Dangerfield and was put on his tour. Jim Carrey got his big break in 1990, when he landed a role on the hip new sketch comedy show In Living Color which boasted a cast of African-Americans and Carrey, the sole white guy. The show was an extreme show meant to answer SNL’s dominance of late night t.v. variety shows. While there, Carrey perfected many characters, most notoriously “Fire Marshal Bill” who always went up in a blaze. The sketch was yanked when critics claimed that it encouraged kids to play with fire. The controversy put Carrey’s name in the headlines for the first time. He broke into feature films, and into the collective unconscious of the world, in one single successful year, 1994. It was the Year of the Funny Face. First there was Ace Ventura: Pet Detective, a surprise hit that showcased Carrey’s now signature wacky style. Next came The Mask, a role that seemed tailor-made for him and was a hit with audiences. As if he hadn’t made an impression yet, there was still Dumb and Dumber which was released during the holiday season and ended up on top of the box office. Jim Carrey was in the limelight now and he hasn’t looked back since. Since that famous year Carrey has, dare we say it…, slowed down a bit. His films have come out less often but have continued to make waves if not quite of the caliber as previously seen. There was Batman Forever, in which he inhabited the role of the Riddler. Then there was a sequel to Ace Ventura: When Nature Calls which didn’t quite recapture the sparkle of the original. Next came Liar, Liar. The film was a tremendous success with crowds everywhere and put him back on top. It also brought his salary back up 20 million. Then came The Truman Show, a film which proved to the world that Jim Carrey was more than just a funny face. In fact, Jim was awarded a Golden Globe for his dramatic portrayal. When he was snubbed by the Oscars, there was a collective gasp heard around the world. Clearly the fans at least think Jim Carrey is golden. The future looks good for Jim Carrey, he has developed a legion of devoted fans who love his wild style of physical comedy. He has proven his ability to weather a storm and come out on top, important for any celebrity. Carrey has come a long way from his unhappy childhood and in fact seems to be living a second childhood now. Canada has been producing fine comedic talents for years, and Jim Carrey is definitely the best of the new breed

www.jimcarrey.com


Laurel y Hardy

Arthur Stanley Jefferson “Laurel” nació el 16 de junio de 1890 en Ulverston (Lancashire, Inglaterra), hijo de un famoso empresario teatral. El joven Stanley, estudió en la escuela King James de Bishop Auckland, siendo compañero de clase de otro célebre cómico británico, Lupino Lane, más tarde afincado en Hollywood. A los dieciséis años, el inquieto actor debutó en el Pickard’s Museum, un pequeño teatro de Glasgow. Actuó después profesionalmente en la compañía de Fred Karno, gran escuela de comicidad inglesa, donde conoció a Charlie Chaplin a quien sustituyó más de una vez. La etapa Karno fue para Stanley una escuela importante de formación, aunque estar a la sombra del genial mimo fuera para él una experiencia frustrante. En 1910 la troupe Karno llegó por vez primera a los Estados Unidos, regresando por segunda vez en 1913 con la obra A Night in an English Music Hall que atrajo la atención de Mack Sennett que contrató a Charlie Chaplin para la Keystone. Cuando se disolvió la troupe de Karno, Stanley no quiso regresar a su país natal pasando a diversas compañías americanas hasta que en 1917 fue contratado para rodar Nuts in May iniciando una larga carrera en solitario. Tras ser emparejado con Larry Semon en varios títulos fue despedido por éste cuando un crítico aseguró que Laurel era más gracioso que Semon, provocando los celos del cómico de la cara enharinada. Laurel ya en solitario pasó a la productora que le iba a dar mayor celebridad, la Hal Roach Company, cuyos cortos entonces estaban distribuidas por la Pathé, y más adelante por la Metro-Goldwyn-Mayer. Los films de esta primera etapa son completamente distintos de los que vendrían años después, el primer Laurel era arrogante, casi antipático y bastante osado que en más de una ocasión jugaba con el equívoco sexual. Vestido con un traje tres o cuatro medidas más grande que las suyas propias, Stan era un cómico dinámico y saltarín que vivía las mayores peripecias inimaginables. Su especialidad era la parodia de diversos títulos de éxito como Mud and Sand donde Stan se mofó del mismísimo Rodolfo Valentino. El papel de villano lo desempeñaba James Finlayson, calvo, bigotudo y de mirada atravesada, con el cual tenía serios enfrentamientos. Pero sin embargo, al cabo de una década de interpretar este personaje la fórmula parecía quemada por lo que Hal Roach tuvo la feliz idea de dar un giro radical a su alicaída carrera, ya que el slapstick tradicional estaba en profunda crisis. A partir de 1926, en las postrimerías del cine mudo, Stan Laurel y Oliver Hardy formaron la pareja artística más perfecta de la Historia del Cine basándose en una comicidad imaginativa. El nuevo personaje de Laurel nada tenía que ver con el anterior, dentro de la pareja era un lunático surrealista, un ser que parecía proceder de otra galaxia actuando con inusitada parsimonia como si estuviera ejecutando un ritual. Hasta 1951, Stan Laurel jamás volvió a actuar sin su compañero, y tras su retirada enfermó de diabetes quedando postrado en su silla de ruedas hasta que murió en su casa de Santa Mónica, California, el 23 de febrero de 1965. En los últimos años, su única actividad artística fue la venta de gags anónimos para las películas de Jerry Lewis o los shows televisivos de Dick Van Dyke, ambos herederos de Laurel. El célebre “Flaco” tuvo cinco esposas, aunque se casó dos veces con la misma mujer, Virginia Ruth Rogers. Pecoso, pelirrojo, enjuto, Arthur Stanley Jefferson encarnó como nadie la figura de ese personaje imposible cuyo sentido de la lógica parece estar en desacuerdo con la racionalidad humana.

Olivier Norvelle Hardy nació el 18 de enero de 1892 en Harlem, Georgia, hijo de padre inglés y madre escocesa. También conocido como “Babe” Hardy, el orondo personaje tenía una agradable voz melodiosa que le abrirían las puertas del espectáculo. Ya a los ocho años, fue contratado para un espectáculo musical pero su precoz carrera fue efímera dedicándose a estudiar derecho aunque no terminara tampoco la carrera. Su primera relación con el cine fue en 1913, cuando inauguró una sala de proyección, e hizo sus pinitos como actor en la compañía Lubin que a la sazón estaba instalada en Florida. El primer Hardy desempeñaba el papel de villano en films de cómicos ya olvidados como Bobby Ray, Jimmy Aubrey “Sandalio” (para quien rodó 24 cortos) o, más adelante, ya en Hollywood, los de Billy West, quien había copiado el personaje de Charlot. West trabajaba en la productora “King Bee Comedies”, pero su reinado fue efímero ya que era incapaz de igualar la poesía que el maestro Chaplin daba a cada plano, por lo que “Babe” Hardy, al carecer de futuro, acabó en la Vitagraph siendo el antagonista del dinámico Larry Semon. Tras ser villano en un par de western, el orondo actor fue contratado por Hal Roach para ser contrapunto de Charley Chase y también de Mabel Normand, entonces en franco declive tras un par de escándalos, hasta que en 1926, el astuto Roach tuvo la feliz idea de crear la pareja cómica por excelencia uniendo el voluminoso Hardy con el escuálido Stan Laurel, con quien ya había coincidido en un par de ocasiones anteriormente. El triunfo del binomio Laurel y Hardy fue arrollador, llegando a convertirle en un campeón de la taquilla americana. En 1939, Babe Hardy intentó separarse de Laurel, rodando en solitario un film de escaso éxito. Tras el inevitable declive tuvo un par de actuaciones secundarias en 1950 hasta morir en un hospital de Burbank el 7 de agosto de 1957, habiendo perdido unos 60 kilos que le habían convertido en un ser irreconocible. Hardy era muy aficionado a las carreras y hombre de carácter apacible contrastando con su imagen fílmica, y su carrera en solitario carece completamente de relevancia. Fue su emparejamiento con Laurel lo que le convirtió en un mito indiscutible del Séptimo Arte.

www.laurelandhardycentral.com


Louis de Funes

Louis de Funès nació en Courbevoie-Seine el 31 de julio de 1914, la noche de la declaración de la Primera Guerra Mundial, “lo que constituye mi primer gag, por supuesto involuntario”. Sus padres eran españoles, padre andaluz y madre gallega: Carlos Luis de Funes de Galarza, natural de Almodóvar del Campo, y Leonor Soto Regueira, de Santa María de Ortigueira. El progenitor ejerció de abogado en Sevilla durante su juventud, trasladándose a París en 1900 donde abrió una joyería. Tras sus estudios primarios, Louis de Funès pasó por la escuela profesional y los estudios de fotografía y, más adelante, empezó a desempeñar diversos oficios como dibujante industrial y pianista en un bar, sus interpretaciones al piano iban acompañadas de una mímica muy especial, sus gestos, sus miradas furtivas, le hicieron enseguida ganar el favor del público. Con su amigo Henri Decae, futuro director de cine, el joven de Funès fue a estudiar cinematografía en los cursos de Germaine Dulla, importante directora francesa, quien acostumbraba a enseñar a realizar cortos a sus alumnos, también intérpretes de los mismos. El joven de Funès también estudió con interpretación con René Simon. El 22 de abril de 1943 se casó con otra pianista, Jeanne Barthélemy, y un día de 1945 se encontró en una estación de metro a un antiguo amigo, el actor Daniel Gelin, quien le recomendó al director Jean Stelli que estaba preparando un film, en el cuál el inquieto cómico inició su larga trayectoria cinematográfica. Durante cerca de veinte años, Louis de Funès fue el eterno secundario del cine francés, un secundario que siempre caía bien, muy simpático y vivaz que sobresalía por su pequeña estatura, sus modales dicharacheros y graciosos, pero sobretodo por sus gestos un tanto exagerados en los que basaba su hilaridad. Pero en 1964, con El gendarme de Saint-Tropez, un film en quien nadie confiaba, el menudo cómico obtuvo un importante éxito de taquilla a nivel internacional, provocando la súbita popularidad del actor galo revalidada por los siguientes jalones de la serie y la trilogía sobre Fantomas donde encarnó a su principal enemigo el comisario Juve. Los films posteriores tenían todos buena factura industrial y obtuvieron importantes éxitos financieros, incluso en los países anglosajones tan impermeables al cine extranjero, pero la actividad frenética del menudo actor se interrumpió hacia 1971 con un ataque al corazón razón por la cuál se vio obligado a espaciar sus películas hasta fallecer el 27 de enero de 1983 de una crisis cardíaca en el hospital de Nantes. El mayor mérito de Louis de Funès fue precisamente el romper el monopolio comercial del cine anglosajón y en sus indudables aptitudes para comunicarse con el público, pese a su triunfo tardío, y a ciertas reiteraciones de sus títulos como protagonista. Pero por encima de ello estaba su buen hacer, su desbordante humanidad, sabiendo convertir en simpáticos unos personajes antipáticos y cascarrabias, dotados de una fina ironía, bazas que aseguraron una inquebrantable adhesión del espectador medio al que administraba una sana diversión lúdica. El menudo cómico galo era padre del también actor Olivier de Funès, que apareció en varios de sus films, pero que jamás ha obtenido los éxitos de su progenitor.


Monty Python

Monty Python esta formado por los ingleses, John Cleese, Terry Gilliam, Terry Jones, Michael Palin, Eric Idle y Graham Chapman.

www.pythonline.com


Peter Sellers

Peter Sellers, el inimitable inspector Jacques Ives Clouseau nació el 8 de septiembre de 1925 en Southses, Hampshire (Inglaterra). Hijo de actores, estudió en el Aloysus College. Durante la 2ª Guerra Mundial sirve en la RAF y es destinado a la India, montando espectáculos para las tropas allí destacadas. Al regresar del frente, trabajó profesionalmente en el teatro Windmill de Londres y en la radio entre 1949 y 1956 con el programa The Goon Show. Sellers debutó en el cine en 1951, pero en cometidos secundarios, repartiendo su carrera entre el teatro, actuando en el London Palladium, y la televisión donde intervino en numerosos espectáculos. Su fama como actor cómico se produjo por su interpretación del inspector Clouseau en La pantera rosa, personaje que ha repetido en varias ocasiones. A pesar de ese aparente encasillamiento, Sellers es un actor muy versátil, dotado para toda clase de caracterizaciones e incluso para papeles dramáticos como el de Lolita de Kubrick. Falleció en 1980, en Londres, perdiéndose prematuramente uno de los astros más interesantes de la pantalla cómica.

www.high-tech.com/panther/source/sellers.html


Roberto Benigni

Roberto Benigni nació en Misericordia (Toscana, Italia) en el año 1952. En el año 1972, junto con Silvano Ambrogi, Carlo Monni y Aldo Buti, se marcha a Roma, llevando encima unicamente su guitarra y sus esperanzas. Allí debuta con sus amigos en una comedia escrita por Silvano Ambrogi. Su primer personaje, inventado con Giuseppe Bertolucci en 1977, aparece en el monologo “Cioni Mario di Gaspare fu Giulia”, en la serie de televisión “Onda Libera” y después en la pelicula “Berlinguer ti voglio bene”, el cual fue fuertemente criticado y mas tarde censurado. Al año siguiente Benigni tomó parte en el programa de televisión “L’altra domenica”, realizando el papel de un bizarro crítico de cine, mientras, en 1979, es actor principal en la pelicula “Chiedo Asilo”. Su primera pelicula como actor y director llega en 1983, su nombre es “Tu mi turbi”, seguida por “Nothing left to do but cry”, junto con Massimo Troisi. En 1985, su gira teatral es vendida en un video casero llamado “Tutto Benigni”, y logra un gran éxito. En 1986 realiza papeles en algunas peliculas producidas en Estados Unidos, tales como “Taxi Driver”, donde realiza el papel de un conductor de taxi italiano. En 1988 comienza una serie imparable de incursiones en televisión, y consigue un gran éxito con su pelicula “Il piccolo Diavolo”, en la cual aparece Walter Matthau. En 1989 Roberto es el principal actor en la última pelicula de Federico Fellini “La voce della Luna”, junto con Paolo Villaggio. 1991 es el año de “Johnny Stecchino”, con el cual tuvo un gran éxito, mientras que en 1993 hace el papel de hijo de la Pantera Rosa en la pelicula de Blake Edwards “The secret son of the Pink Panther” Después viene “The Monster”, otra obra de Roberto como actor-productor, en la cual revela algunos elementos trágicos de la comicidad de Benigni. El éxito de la pelicula fue incluso superior al de “Johnny Stecchino”. Diez años después de su última gira teatral, Benigni comenzó en el verano de 1995 una nueva gira con la que tuvo un gran éxito. En 1997 realiza su mejor obra, conmoviendo y diviertiendo al mismo tiempo al mundo entero con “Life is Beautiful”. Esta pelicula mereció el grand prix en 1998 en el Festival de Cannes y 7 nominaciones a los Oscar en 1999, de las que consiguió 3: Mejor Pelicula Extranjera, Mejor actor (Roberto Benigni por delante de actores de la talla de Nick Nolte o Tom Hanks) y Mejor Banda Sonora. La última pelicula en la que ha tomado parte fue en la realización francesa “Asterix y Obelix vs. Caesar”. Roberto Benigni se ha convertido en un valor seguro del reciente cine italiano. Buen cómico, Federico Fellini lo comparó a Buster Keaton. Casado con Nicoletta Braschi, pareja en muchas de sus películas. Ambos han colaborado también en películas americanas del independiente Jim Jarmusch, posiblemente los títulos más lúcidos de su filmografía.

http://en.wikipedia.org/wiki/Roberto_Benigni


Woody Allen

Allen Stewart Konisberg, más conocido como Woody Allen, nació en Brooklyn (Nueva York) el 1 de diciembre de 1935. Martin Konigsberg, el padre de Allen, era joyero, aunque también tuvo que aceptar trabajos de camarero y de taxista durante épocas de crisis y recesión económica. Su madre se llamaba Nettea Cherry, y trabajaba de contable en una floristería. Woody no destacó durante su infancia, sus compañeros de clase prácticamente no le recuerdan, pasó casi desapercibido por la Escuela Pública nº 99: “una escuela para maestros con trastornos emocionales”, con unas notas bastantes mediocres. No tenía demasiados amigos, y sus compañeros le llamaban Red (por el color del pelo), cosa que a él no le hacía demasiada gracia. Más adelante contaría en uno de sus shows: “Me llamó Floyd, el energúmeno de la pandilla, un cerebro de vegetal en una chaqueta de cuero, -Eh Red- y yo, que me dirijía a clases de violín, monté en colera. -Mi nombre no es Red. Si quieres llamarme lo haces por mi nombre de pila: señor Allen- .Aquel invierno lo pasé en una silla de ruedas después de que los médicos me extrajeran el violín. Afortunadamente no tomaba clases de violonchelo”. Estaba más interesado en sus juegos de magia y prestidigitación, en el cine, el jazz y el deporte. Sí, a pesar de la apariencia enclenque de Allen, era un deportista bastante completo: “jugaba a todo tipo de juegos, y a muchos de ellos muy bien”. Incluso llegó a competir en boxeo. Sin embargo, el propio Allen al hablar de su infancia, dijo: “Aunque no me faltaron ninguna de las comodidades de la infancia, yo era un niño triste, y todo me dejaba insatisfecho”. Pero Allen se dio cuenta enseguida de que “aunque en aquellos tiempos yo no me reía nunca, se me consideraba sin embargo un chico divertido. Mi punto de vista era divertido, y decía cosas divertidas”. Así que cuando sólo tenía 16 años, mandó bajo el pseudónimo de Woody Allen (nombre a su parecer más comercial que Allen Konisbreg) gags propios de no excesivo nivel a diferentes periódicos, que fueron adquiriendo sus chistes con bastante frecuencia. Después llegó un contrato con la David O. Alber Associates, una agencia de relaciones públicas que contaba entre sus clientes con Bob Hope o Sammy Kaye, a los que sería atribuida la autoría de los chistes que Allen entregase. Pero su verdadero primer salto se produjo con su contrato con la NBC, bajo la tutela de Abe Burrows, pariente de su madre, que coincidió con su despido de la agencia. Así que, de la mano de la NBC, Woody Allen apareció por primera y prácticamente única vez en Hollywood, para intentar relanzar la Colgate Comedy Hour, un programa de humor que pese al apoyo de Allen fracasó. Tras meses de estancia bajo el sol californiano, Allen regresa a su Nueva York. En Nueva York continúa su colaboración con programas televisivos, entre los que destacaron los que hizo para el show de Caesar, junto a otros grandes humoristas, y que le valió su primer premio, el “Sylvana Award” en 1957, que despreció al igual que lo ha hecho con los demás que ha recibido durante su carrera. Allen había estado trabajando a la sombra de otros humoristas durante demasiados años, atribuyéndose éstos los méritos de Allen, y había llegado la hora de actuar bajo su propio nombre, y sus primeros intentos se produjeron en Borscht Belt: un conjunto de hoteles en las montañas cercanas a Nueva York de los que habían salido cómicos de la talla de Danny Kaye, Jerry Lewis o Mel Brooks. Allí Woody se aventuró por primera vez más allá de la máquina de escribir, asumiendo el papel de director. Su saltó al público se produjo en un pequeño local, el Duplex: “Fue el peor año de mi vida. Sentía ese miedo en el estómago por la mañana nada más levantarme, y no me deshacía de él hasta las once de la noche, cuando empezaba a recitar”. Pese a su primeros intentos poco exitosos, Allen resistió, y fue acostumbrándose al público, y a hacer de su torpeza un elemento más de su personaje de antihéroe. Superados los primeros miedos, enseguida fichó por varios locales que empezaban a rifárselo, y a pesar de que había perdido su trabajo en televisión, actuó en un sin fin de locales, e incluso apereció como invitado en algún programa de televisión. Empezó a publicar historias en el New Yorker, y más tarde en otras publicaciones. Por fin, y tras una actuación en el local Blue Angel, le ofrecieron la oportunidad de hacer el guión de una película, el aceptó a cambio de 35000 dólares y de un papel como actor. La película se llamó What´s new, Pussy Cat?. El resto es historia.

www.woodyallen.com

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